Isaiah Wilson est un artiste expérimental basé au Luxembourg. Son travail combine la danse contemporaine, la vidéo, la composition de musique électronique et l’art numérique. Cette diversité de supports permet à Isaiah de créer des mondes uniques et immersifs dans lesquels il invite son public à vivre des expériences sensorielles à plusieurs niveaux, conçues pour révéler leur vulnérabilité et éventuellement les rapprocher d’eux-mêmes. Isaiah met un point d’honneur à ce que le public fasse partie de l’espace et, par conséquent, de la performance, que ce soit par la nature des sites qu’il choisit ou en réimaginant pour chaque performance le cadre dédié au spectateur. Isaiah crée des objets qui défient le corps humain, le plongeant dans des mondes qu’il construit à partir du chaos et de l’espoir. Dans une approche existentialiste et absurde, Isaiah désire explorer les multiples facettes des émotions humaines face aux avancées technologiques du XXIème siècle.

« Giovanni se base sur les relations et le dialogue de l’humain à travers la danse. Son approche artistique multidisciplinaire se concentre sur la confiance du corps, guidée par son énergie inhérente où apparaissent les images, les mouvements et les émotions. Fasciné par la complexité de l’être humain, son travail explore l’instinct, l’identité et l’authenticité du mouvement, le transposant dans un univers poétique et absurde. Ces oeuvres se transposent dans des sujets sociaux, philosophiques, émotionnels et intemporels afin de les matérialiser dans un univers à la fois onirique et réel, entrechoquant le tragique et le comique, l’attendu et l’inattendu, la distorsion avec la grâce pour les faire rencontrer dans l’espace, le temps et les moments présents et en faire surgir l’humain par la danse.

Intéressé par la recherche, le partage et la transmission, il porte une importance à l’accessibilité de la danse, mêlant les différents arts et univers qui lui permettent de se rapprocher du public afin d’élargir et établir des possibilités artistiques. Son écriture et son langage chorégraphique sont en constante évolution, se questionnant à travers la curiosité et l’exploration afin d’affiner et de développer son univers.»

Je suis fascinée par la notion de tension absolue, inhérente à notre condition humaine ; cette idée tordue de besoins corporels versus vie spirituelle.

Je suis intéressée par les états émotionnels et physiques, et la manière dont ils génèrent le mouvement. Je suis intéressée par la collision entre le gracieux et le dissonant, le comique et le tragique, le grotesque et le transcendant.

L’aller retour constant entre la forme et le fond, le geste brutal.

Les constructions culturelles, les pulsions étouffées et l’absurdité de notre condition humaine dans sa forme la plus bizarre sont au centre de mon travail.

La danse y devient un outil pour questionner ce qui est insaisissable : cette chose qui nous rend pleinement humain.

« Tania Soubry est danseuse, performeuse et chorégraphe, travaillant le corps, la voix et le son, ainsi qu’avec le lieu, la relationnalité et la transformation. Elle a créé et tourné des œuvres en Europe, au Canada et à Hong Kong, allant de performances sur scène à des œuvres immersives et à des installations en galerie. Elle travaille souvent en collaboration et certains projets incluent faciliter, l’accueillir, l’interaction et/ou la participation.

Par la sensualité, l’humour et la solidarité, sa pratique et son travail s’inspirent de l’animisme et sont motivés par un réenchantement poétique, tout en étant en dialogue avec l’écologie politique, le féminisme, le décolonialisme et les théories et pratiques queer. Suite à des tensions, des blessures, des problèmes, des questions, des curiosités et des désirs, elle se préoccupe de régénération au niveau individuel, social et planétaire, parfois à travers la collectivité, la joie ou en utilisant l’imagination fictive pour faire face au présent et créer des possibilités.

Elle est co-fondatrice et directrice artistique de l’association Vibrant Matter.

En tant que danseuse/collaboratrice, elle a travaillé avec des collectifs, des artistes, des chorégraphes et des compagnies, comme Exit Map, Tino Segal et Pepa Ubera. »

 » Elisabeth Schilling crée des danses au-delà de la danse. Avec une équipe internationale et à travers différentes collaborations, elle conçoit des projets transdisciplinaires entre le mouvement, le design, les arts visuels et plastiques et la musique, faisant danser les disciplines entre elles et les unes avec les autres. De cette façon, la danse contemporaine se produit dans des espaces de danse établis ainsi que dans des lieux inhabituels. Ainsi, les productions tournent aussi bien dans les métropoles européennes que dans des zones plus rurales, dans des théâtres clandestins, des musées, des galeries, des salles de concert, des bâtiments historiques et des espaces publics. La danse est ainsi, presque en passant, rendue accessible à un nouveau public. Parallèlement, une part importante de son travail consiste en différents formats d’apprentissage créatif. Pour chaque production, elle élabore un programme à l’intention de différents publics, allant de discussions spécialement conçues avec le public après les représentations à des ateliers d’accompagnement, des symposiums et des catalogues. « 

« Artiste de danse et mouvement. Des thèmes récurrents dans l’œuvre d’Annick Schadeck sont la transformation, les frontières entre l’organique et l’inorganique, du mouvement et de l’immobilité, du temps et de l’espace, des couleurs et de la musique.

En quoi un mouvement est-il constitué à un moment donné et qu’en reste-t-il après sa disparition? Qu’est-ce qui constitue l’avant et l’après? Comment affecte-t-il le présent et comment se rapporte-t-il au temps et à l’espace?

Comment traduire la nature à travers un travail artistique? Comment la nature traduit-elle la forme humaine?

Que pouvons-nous tirer d’expériences momentanées et comment pouvons-nous les appliquer à des conclusions plus larges sur des questions de société et du vivre ensemble.»

« Après avoir suivi une formation en danse classique, jazz et moderne au Luxembourg, Valerie Reding a étudié l’Architecture à l’École polytechnique fédérale de Zurich (ETHZ) et les Arts et Médias aux Universités des Arts de Zurich (ZHdK) et de Vienne (Angewandte). Parallèlement à ses études universitaires, elle a travaillé internationalement en tant que make-up artist dans la mode et le film, et a exploré l’art du drag dans le monde de la nuit à San Francisco et Zurich. Aujourd’hui, elle combine toutes ces expériences dans sa pratique artistique éclectique et transdisciplinaire qui combine et oscille entre le mouvement, la performance, la photographie, la vidéo, le texte et l’installation. Elle travaille de manière indépendante ou en collaboration avec d’autres acteuric.e.x.s culturel.le.x.s dans des contextes variés, allant des espaces aalternatifs aux théâtres, galeries et autres institutions culturelles, défiant toute forme de catégorisation du monde de l’art.

Intrigué.x par les complexités et les intersections entre le corps, la psychologie humaine, les relations interpersonnelles et les rrelations de pouvoir qui traversent nos sociétés et identités, Valerie Reding invoque le potentiel de la vulnérabilité, de l’auto-fiction, de la transformation, des rituels et du „camp“ pour explorer nos subjectivités et relationnalités avec une approche intersectionnelle sensible et remplie d’humour. « 

« L’inspiration de Georges Maikel provient d’événements liés de ses expériences et de ce qu’il observe autour de lui. »

« Aifric laisse son parcours dans la vie guider ses choix artistiques évolutifs et variés. Elle se préoccupe actuellement de la diffusion de la danse ; elle étend la danse à un public plus large en créant des projets de danse communautaires, des projets par et pour les jeunes, les personnes en situation de handicap et en développant des moyens de diversifier le public lui-même grâce à ses projets avec Lucoda. L’environnement, la perception de sa propre réalité et de celle des autres et l’art multidisciplinaire restent des thèmes d’intérêt dans son travail. »

« Dans mon travail, je m’intéresse à dire et à faire face à l’incertitude, au désordre, à l’irrésolu et à la complexité. Je souhaite décloisonner les espaces pour mieux me confronter à l’inconnu. Je cherche à créer des mondes percutants et existentiels, à la frontière entre la fiction et une réalité exacerbée. Surréaliste et fondamentalement ludique, ma pratique englobe la danse, le théâtre, la performance, les arts visuels, le dessin et l’écriture.  »

“La vie est le dan­seur et vous êtes la danse” (E.Tolle) 

Ma curiosité réside dans la nature des interactions humaines, le potentiel de la danse à dépasser la linguistique, le genre, les barrières culturelles pour créer de nouveaux modes de connexion. J’utilise la narration pour atteindre chaque regard selon son expérience du Réel. Humour, insolence, et émotion pour questionner et explorer ce que signifie le fait d’Être dans tous ses paradoxes. Créer un lien direct entre le spectateur et l’œuvre. La danse est un média grâce auquel liberté, émotion et imagination peuvent être explorés pleinement, générer un questionnement sur nos habitudes, modes de fonctionnement, zones de confort. Elle nous permet de créer et de découvrir de nouvelles voies pour nous relationner au réel.

À un niveau plus personnel, la danse est une exploration de mon rôle et de mes objectifs dans le paradoxe de la vie, une création de sens là où il n’y en a pas, c’est découvrir l’absurde et magnifique nature d’être en vie.

Hannah Ma et ses équipes (hannahmadance | Trier, GER, The People United asbl | LU, Haus Noir | ZA, Studio Hannah Ma Alps | Berchtesgaden, GER) sont des producteurs d’art internationaux et des créateurs d’art multidiciplinaires qui s’efforcent d’avoir un impact local en discutant des questions sociopolitiques qui nous touchent globalement.

Hannah s’intéresse aux rituels contemporains et à la traduction des racines archaïques au sein de notre société. Ses œuvres chorégraphiques sont divisées en deux directions : « Taming Monsters » (recréations de thèmes de théâtre classique) et « Transformances ». Hannah réfléchit à l’eurocentrisme, au (post-)colonialisme, au racisme, au sexisme et se concentre sur l’intégration de la diversité, l’autonomisation des actions féministes et la fluidité des genres. Son langage chorégraphique mélange de manière créative des éléments de danse et de théâtre, de ballet, de danse-théâtre et de performance.
L’ensemble d’Hannah « The People United » a joué avec des directeurs de théâtre tels que : Martin G. Berger (Faust Theaterpreisträger), Christian Götz et Quark & Golfarb, entre autres. Hannah a été mandatée en tant que metteur en scène/créateur et conférencière pour réaliser des créations d’art de la scène, des masterclasses et des conférences par des institutions telles que : Theater Dessau (Chorégraphie : « Faust », 2017), Arp Museum am Rolandseck (Chorégraphie : « Tanz mit Maske », 2018), Jomba ! Festival (Concept paper : « The politics of intimacy », 2021), Theater Trier (Chorégraphie : « OZ » 2009), National Arts Festival Makanda (Chorégraphie : « Syphides- humains-poissons-oiseaux »/ spectacle d’ouverture du festival 2019), Tanzkomplizen Berlin/ Nora Amin (Conférence : « Le corps politique performatif d’aujourd’hui »/ 2020), Théâtres de la Ville (Chorégraphie : « Une question plutôt étrange »/ Larisa Faber, TalentLAB 2020).
Son travail a été évalué par la Commission allemande de l’Unesco en partenariat avec Bertelsmann Stiftung pour la publication : « Kunst in der Migrationsgesellschaft- Beiträge der Künste für ein Zusammenleben in Vielfalt » et choisi pour être publié comme l’un des douze modèles allemands de meilleures pratiques pour travailler sur le thème de la migration/des réfugiés en 2017.
En 2020 | 2021 | 2022, Hannah s’associe à des festivals, des théâtres et des institutions tels que Cape Town City Ballet, Jomba ! Festival Durban Southafrica, TROIS C-L – Centre de Création Chorégraphique Luxembourgeois, Business and Arts Southafrica (parmi d’autres) pour produire un art multidiciplinaire, basé sur le corps et le mouvement à travers l’approfondissement de la recherche sur le thème : Transition into the WE | Transition ins WIR.

Elle est l’éditrice de : The People United Magazin | Performing Arts Festival | on paper, une publication avec du contenu de performance numérique (en collaboration avec Dirk Seifert | Conpep Verlag Ltd, / Kiteboarding Magazin).
Hannah fait régulièrement partie du jury du Conservatoire du Luxembourg pour ses examens.

« Le travail de Yuko Kominami consiste à expérimenter des mouvements situés dans l’entre-deux (mouvements du devenir) où les intensités des individus se croisent. C’est un lieu où se matérialisent des existences extrêmes et des métamorphoses inévitables. Et à travers ces expériences, elle vise à affirmer les connexions multiples et fragmentées d’une « vie ». »

« En tant que danseuse et interprète, je suis très intriguée par l’intelligence du corps et de ce fait par sa métamorphose dans l’espace et le temps. J’explore les limites en me demandant si ce sont réellement des limites.. J’aime observer longuement et après lâcher prise.»

« J’aime travailler avec le mouvement, l’art et la science d’une manière organique. Développant une recherche de la danse axée sur la science du mouvement, je me concentre actuellement sur l’exploration du tissu conjonctif fascial comme matrice vivante pour ré(dé)affiner l’entraînement, la performance et la création. Les résultats sont des pièces chorégraphiques contemporaines où la pensée analytique soutient et défie le mouvement formel et informel.»

« Je me concentre principalement sur le corps et son potentiel intrinsèque de transformation ; son statut et son rayonnement dans la société, ainsi que sa présentation, sa représentation et sa perception sur scène. Mon travail se caractérise par un langage gestuel précis, incarnant et matérialisant des questions identitaires et des thèmes en phase avec notre époque pour les transmettre auprès du public. »

«HANI DANCE est une compagnie d’art du mouvement dynamique qui célèbre la diversité culturelle à travers des pièces de danse innovantes. Sous la direction de Saeed Hani, nous explorons les thèmes de la force, de l’esprit et de l’intellect et donnons vie à nos spectacles grâce à nos créations. En utilisant l’art nu, l’art visuel et la danse contemporaine, nous créons des récits captivants enracinés dans l’histoire et l’expérience humaines. Avec une grande attention aux détails, nous mettons en scène des mouvements qui repoussent les limites et invitent le public à se connecter profondément à nos histoires. À travers notre art, nous cherchons à stimuler l’imagination et à inspirer une réflexion sur la beauté et la complexité de la condition humaine.»

« Installée au Luxembourg et dans le Gard, la cie Eddi van Tsui revendique une pluridisciplinarité entre danse, musique, théâtre, installations et vidéo. Foisonnante, ayant à son actif plus de 50 projets à la jonction de la création scénique et des arts plastiques, elle fait appel à des structures narratives qui, oscillant entre abstraction et réalité, laissent place à l’interprétation et à la réflexion.

La compagnie est portée par trois artistes. Inspirée par le théâtre d’image, le théâtre documentaire et la danse contemporaine, Sandy Flinto met en scène les pièces du trio qu’elle co-écrit et dont elle fait la direction chorégraphique. Depuis 2010, Pierrick Grobéty se spécialise dans le spectacle vivant et l’installation. Il y développe des dispositifs sonores et musicaux conceptuels et techniques spécifiques à chaque projet. Daniel Marinangeli analyse la société contemporaine et la condition humaine pour la retranscrire à travers l’écriture et la construction dramatique. »

« Jill Crovisier est une artiste multidisciplinaire primée née en 1987 à Luxembourg. Elle est diplômée en danse classique et danse contemporaine du Conservatoire d’Esch-sur-Alzette (LU) et poursuit ses études en Chine, en France, aux États-Unis, en Indonésie et en Israël. Jill travaille comme danseuse professionnelle depuis 2007 et comme chorégraphe, vidéaste et créatrice sonore depuis 2013. Elle est également titulaire d’un diplôme en pédagogie de la danse. L’approche artistique de Jill est basée sur l’expérience personnelle, l’observation et un lien fort avec la société et les gens. Elle est passionnée par l’exploration des intersections entre l’écriture chorégraphique, la conception sonore et les collaborations d’échanges culturels. Le travail de Jill met l’accent sur l’authenticité et le réalisme, utilisant la danse pour communiquer des histoires sur la vie et l’identité. Elle met fortement l’accent sur la création d’œuvres inclusives et émotionnellement engageantes, même pour ceux qui ne sont peut-être pas familiers avec la danse contemporaine. Jill a participé à des concours chorégraphiques tels que Hanovre, Copenhague, Stuttgart, Masdanza et a été sélectionnée à Lucky Trimmer. Elle a remporté le Luxembourgish Dance Award en 2019 et le prix PEARLS pour son court métrage NILYNDA. En 2021, elle a créé une pièce de danse (Tanzabend) pour la Folkwang Universität der Künste à Essen (DE) entre autres. Après 20 ans autour du monde, Jill continue de collaborer dans le monde entier avec différentes institutions, compagnies de danse, jeunes ballets et universités tout en restant une artiste interprète active. Son implication dans des projets et des créations thérapeutiques en danse contribue à étendre la puissance de la danse à un public plus large. Sa compagnie de danse JC movement production – Jill Crovisier, créée en 2013, est conventionnée avec le Ministère de la Culture Luxembourgeois. »

Après avoir accompli ses études de piano au Conservatoire «G. Verdi » à Turin (I), Gianfranco a étudié la danse contemporaine à l’école supérieure « Folkwang » à Essen (D) ainsi qu’à l’« Accademia Isola Danza » de Venise sous la direction de Carolyn Carlson. En 1999 il reçoit une bourse pour le programme de stage « Dance WEB » à Vienne.

Il a travaillé, entre autres, avec Les Ballet C. de la B. (B), Unit.Control (L), Arazzo Tanztheater (D). Depuis l’année 2002 il développe son propre langage chorégraphique. Depuis l’année 2014 il enseigne la Contact Improvisation au Luxembourg.

«Tout est question de suspension, de retenue et de lâcher prise.  Le mouvement est comme une machine, une fois qu’on la démarre, on la laisse faire son propre travail. Il se poursuit sans fin, telle une spirale qui s’envole de la terre.

Authenticité et instinct – comment défaire les nœuds et ouvrir des portes. Trouver l’identité et la personnalité dans le processus de déplacement à travers l’espace et le temps. Mon travail consiste à se perdre dans le monde réel et à rattraper l’âme et l’esprit dans un monde intérieur. Changer d’émotions, voyager avec elles. Jouer des personnages, les vivre, se retrouver en eux. L’atelier est un terrain de jeu où il n’y a pas de place pour le jugement. Tout se porte sur la confiance et la sincérité, sur la connexion avec l’autre, sur la réception, le don et l’échange.

Qu’est-ce qui m’inspire ? La vie et toutes ses émotions, des plus belles au plus poignantes. Déconstruire des murs afin d’apercevoir l’opposé et ainsi pouvoir trouver l’équilibre. Le noir, le négatif, le ciel couvert – y trouver de la couleur, un rayon de soleil. Je suis inspiré par des histoires, des personnes, la santé mentale, une émotion forte,… tant que je me sens connecté et que je ressens le besoin d’explorer la situation, je me lance. »

Dans sa recherche chorégraphique, Sarah Baltzinger s’amuse à explorer toutes les voies possibles autour du corps marionnettique. Son langage se déploie au travers d’objets protéiformes qui naviguent entre théâtralité absurde et corps morcelés. Elle peuple ses différents travaux de créatures hybrides et de pantins mécaniques pour créer des objets libérateurs qui cherchent à révéler nos fragilités et aime utiliser le corps, en lien à différentes matières, comme un outil complexe de possibilités visant à transformer l’approche naturelle du mouvement pour créer des mondes étranges. Sa gestuelle explore la distorsion, les désarticulations, le geste mécanique et les combinaisons de corps. Dans son processus de création, elle tend à révéler les singularités de chacun en menant un véritable travail de recherche corporelle et théâtrale. 

Sarah Baltzinger mène un travail qui questionne l’impact de notre environnement et des conséquences qu’il exerce sur notre identité et notre intimité, la manière dont cela nous transforme et nous affecte, nous contrait ou nous libère. Elle questionne la manière dont nous nous présentons au monde et la manière dont le corps devient un vecteur de représentations plurielles, insaisissables et étonnants. Elle collabore étroitement avec l’artiste multi-disciplinaire Isaiah Wilson avec qui elle crée un binôme depuis plusieurs années.